Compositores | Guitarraflamenca

COMPOSITORES

Niño Ricardo

Manuel Serrapí Sánchez (Sevilla, 11 de julio de 1904-1972), fue un guitarrista flamenco español, conocido artísticamente como el Niño Ricardo, maestro de la guitarra española.

Los comienzos

Nació el 11 de julio de 1904, en la calle Almudena de la Plaza de Argüelles de Sevilla (Hoy plaza del Cristo de Burgos), en España en uno de los típicos corrales de vecinos propios de aquella época, donde hoy podemos visitar y contemplar en la fachada del hotel dedicado al Niño Ricardo una placa conmemorativa.

Ricardo Serrapí Torres, guitarrista y padre del Niño Ricardo junto a Antonio Moreno, amigo del padre, fueron quienes le enseñaron e introdujeron en el mundo del flamenco cuando el solo tenía 13 años, aunque al igual que Ricardo, no quería que se dedicase profesionalmente.

Javier Molina, guitarrista nacido en Jerez, fue quien le dio la primera oportunidad al Niño Ricardo, a sus 14 años, actuando en un tablao flamenco, donde conoció a cantantes que más tarde acompañaría, tanto fuera como dentro de España y sin parar durante el resto de su vida. A la edad de 20 años ya comenzó a grabar sus propios discos de pizarra.

El triunfo del Maestro

Elaboró un estilo totalmente nuevo que revolucionó la guitarra y dejando huella, creando escuela El Ricardismo. Más que técnica, que la dominaba perfectamente, el buscaba la modernidad, saliéndose de los cánones y llegando más lejos en las composiciones. Pensaba en músico y no solo como guitarrista. Los dedos ya no estarán supeditados a la lógica mecánica de las digitaciones, sino a la idea musical de la falseta. Quizás porque este planteamiento introducía un nuevo desafío a la técnica de guitarra flamenca de la época,

Fue maestro de muchos guitarristas de la época como Paco de Lucía, Enrique de Melchor, Serranito y el propio Paco de Lucía ha manifestado en más de una ocasión que el Niño Ricardo “fue el maestro de los guitarristas de nuestra generación. Representaba el no va más de la guitarra flamenca, el Papa. Aprendimos mucho de él y tratábamos de copiarlo”.

Grabó con los mejores cantaores de la época, como la Niña de los Peines, Pastora, Tomás, Pepe Pinto, Gloria, Vallejo, El Carbonerillo, Mazaco, Antonio Chacón, Manuel Mairena (uno de los más logrados), Fernanda y Bernarda, Caracol y Talega, aunque él estimaba a Manuel Torre como su favorito. Estuvo de giras con ellos durante los años 1940, incluso en el concierto de México junto a Sabicas en 1949.

En 1945 sufrió una intervención quirúrgica en la garganta que le dejó con una voz profunda y bronca, aunque esto no le impidió para seguir con su carrera y se reconoce fácilmente en las grabaciones en las que se le oye tararear con su toque.

Creó mucho para grandes cantaores de copla como Juanito Valderrama, para el que compuso su mayor éxito, "El emigrante" o "El rey de la carretera" entre otros. O para Antonio Molina, que compuso y escribió "La madrugá".

En su memoria

Monumento en su tumba del Cementerio de San Fernando de Sevilla donde se representa a un ángel, con una guitarra entre sus manos alzándola al Cielo . Es obra del escultor Sandino y fue financiado con los ingresos de las ventas de un disco homenaje que grabaron en 1972, en el que un grupo de ricardistas, como Paco de Lucía, Sabicas o su hijo interpretan canciones del Maestro.

En 2005, levantan un monumento y una placa, en la Plaza del Cristo de Burgos, cerca de donde nació.

Su técnica

Los brillantes arreglos de acordes con la mano izquierda y su genio creativo hace de sus falsetas un sonido único y propio. Su mano derecha era única en su constante manipulación de las cuerdas e insistente contrapunto rítmico. El toque de Manuel Serrapí tenía tal carga de motivación musical que no pocos cantaores han reconocido que nunca cantaron mejor que con su acompañamiento, porque era aficionado al cante antes que concertista, porque cantaba con su guitarra para hacer cantar a los demás, sus variaciones siguen siendo fuente inagotable del mejor toque flamenco.

Ha sido uno de los tocaores más sabios de la historia, daba a cada cante la cadencia que le correspondía, según fuera uno u otro el fandango, o una u otra soleá, y aseguraba que la guitarra era para él una religión. Él decía que La guitarra junto al cante, deben de sostener un diálogo: "Ni el cante debe acallar la guitarra ni ésta salirse al paso del cante". La guitarra flamenca no sería lo que es, sino llega a ser por el Maestro.

Fragmento musical

Partitura

PACO DE LUCÍA

Francisco Sánchez Gómez (Algeciras, provincia de Cádiz, España, 21 de diciembre de 1947-Playa del Carmen, Quintana Roo, México, 25 de febrero de 2014), de nombre artístico Paco de Lucía, fue un compositor y guitarrista español de flamenco.

Hermano menor de la dinastía de «Los Lucía», junto a Ramón de Algeciras y Pepe de Lucía, recibió educación musical de la mano de su padre, Antonio Sánchez Pecino, también guitarrista. En un ambiente familiar muy cercano al mundo flamenco, Paco de Lucía pronto tomó contacto con algunas de las principales figuras del mundo flamenco, entre las que algunas de sus principales influencias fueron el Niño Ricardo y Sabicas. Tras darse a conocer al mundo flamenco español en el Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera de 1962, grabó sus primeros discos junto a su hermano Pepe formando parte del conjunto Los Chiquitos de Algeciras. En los años siguientes colaboró al toque con los cantaores Fosforito y El Lebrijano y desde 1969 con Camarón de la Isla.

A partir de la publicación de Fuente y caudal en 1973, su música llegó al público mayoritario. Con el paso de los años su música fue progresivamente abriéndose a nuevos estilos al tiempo que comenzaba a interpretarse en ámbitos más alejados de los tradicionales tablaos españoles y latinoamericanos. Actuó con éxito en Europa, Norteamérica y Japón, ocupando estas giras la mayor parte de su tiempo.

Considerado una de las principales figuras del flamenco actual, se le atribuye la responsabilidad de la reforma que llevó este arte a la escena musical internacional gracias a la inclusión de nuevos ritmos desde el jazz, la bossa nova y la música clásica. De este modo destacan sus colaboraciones con artistas internacionales como Carlos Santana, Al Di Meola o John McLaughlin, pero también con otras figuras del flamenco como Camarón de la Isla o Tomatito, con quienes modernizó el concepto de flamenco clásico. A lo largo de su carrera grabó un total de 38 discos, incluyendo cinco antologías y cinco discos en directo, además de numerosas colaboraciones al toque de cantaores e intérpretes de numerosos estilos musicales.

Recibió, entre otros muchos galardones, dos premios Grammy latinos por sus álbumes Cositas buenas (2004) y En vivo Conciertos España (2010),10 el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1992), Hijo predilecto de la provincia de Cádiz (1997), Hijo predilecto de Algeciras (1998), la Medalla de Plata de Andalucía, la Distinción Honorífica de los Premios de la Música (2002), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004),11 Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz (2009) y por el Berklee College of Music (2010).

Francisco Sánchez Gómez nació en el número 8 de la calle San Francisco de Algeciras en el popular barrio de La Fuentenueva. Fue el menor de cinco hermanos, hijo de Lucía Gomes Gonçalves «La Portuguesa» y Antonio Sánchez Pecino, tocaor aficionado de guitarra que había aprendido de la mano de Manuel Fernández «Titi de Marchena» (primo hermano de Melchor de Marchena) y que trabajaba en tablaos y fiestas de la localidad con el nombre de «Antonio de Algeciras», al tiempo que se dedicaba a la venta de fruta en la plaza de abastos de la localidad y a la venta ambulante de telas.

Gracias a sus amistades en el mundo del flamenco de la localidad, Antonio Sánchez pudo poner a sus hijos en contacto con algunos de los mejores artistas de su tiempo, como Antonio «El Chaqueta», «Chato» Méndez, Rafael «El Tuerto», «El Brillantina de Cádiz» y Antonio Jarrita. De este modo pudo enseñar a todos sus hijos una profesión a la que preveía futuro, y pronto fueron tres de ellos los que destacaron en las artes flamencas, Ramón, Pepe y Francisco. Sus otros dos hijos, Carmen y Antonio, también estudiaron cante y guitarra, aunque no acabaron dedicándose a ello. Así, al cumplir Francisco cinco años su familia se trasladó a la calle Barcelona del barrio de «La Bajadilla», y a partir de los seis años comenzó a recibir clases de guitarra de la mano de su padre y de su hermano Ramón. Por deseo de su padre se dedicó a aprender los fundamentos de la guitarra flamenca, manteniéndose alejado de virtuosismos y centrándose en los estándares del toque y en el acompañamiento del cante, tanto de su hermano Pepe como de su hermana María.

A partir de los once años comenzó a dedicar más tiempo al aprendizaje de la guitarra tras haber tenido que abandonar los estudios. En su preparación musical fue decisivo el contacto que su familia tenía con el más afamado guitarrista de su tiempo, Niño Ricardo, que solía visitarlos a menudo y, a partir de 1960, el descubrimiento de Agustín Castellón «Sabicas», después de que sus discos comenzaran a llegar al país.16 Conocido ya en el ámbito local, actuó por primera vez en el cine Terraza de Algeciras a finales de 1959 junto a su hermano Pepe, con quien formó poco después un conjunto flamenco llamado «Paco y Pepe de Algeciras» y poco después «Los Chiquitos de Algeciras».

Tras grabar tres elepés con Hispavox en 1961, ambos hermanos se presentaron en 1962 al Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera, donde Pepe ganó cantando por malagueñas, y a Paco, que era demasiado joven para participar, se le concedió el premio Javier Molina, creado ex profeso para él.18 Los premios ganados,

35 000 pesetas por parte de Pepe y 4 000 de Paco, junto al dinero que enviaba el hermano mayor Ramón mientras trabajaba en el conjunto de Juanito Valderrama, permitieron que la familia mudara su residencia a la calle Ilustración de Madrid.

Pronto los dos hermanos Pepe y Paco comenzaron a trabajar en tablaos de la capital de España, de tal modo que en 1963 fueron contratados por José Greco, director de una compañía de ballet clásico español, para realizar una gira de nueve meses por Sudamérica. A la vuelta participaron en la grabación de varios discos acompañando en el toque a Fosforito y El Lebrijano, y grabaron un disco como «Los Chiquitos de Algeciras», donde versionaba temas populares iberoamericanos. En 1967 Paco de Lucía, tras haber viajado por varios países europeos con el Festival Flamenco Gitano, grabó su primer disco en solitario, La fabulosa guitarra de Paco de Lucía, entablando sus primeros contactos con el mundo de la música de jazz gracias a Pedro Iturralde, con quien grabó también dos discos llamados Flamenco Jazz, y conociendo a Camarón de la Isla. La amistad con el cantaor isleño se tradujo en la participación del guitarrista, también de su hermano Pepe, en sus siete primeros discos como acompañamiento y en la aparición de ambos en el film Sevillanas de Carlos Saura de 1992.

Su disco Fuente y caudal de 1973, en el que se encontraba la rumba Entre dos aguas, alcanzó en pocos meses el número uno en ventas en España y propició el acercamiento del guitarrista al gran público y el reconocimiento mundial. Fruto de ello fue su actuación de 1975 en el Teatro Real de Madrid, y, sobre todo, los nuevos trabajos en el mundo del jazz con actuaciones junto a Carlos Santana y a Al Di Meola, en 1977, y en las giras europeas y japonesas de este último, John McLaughlin y Chick Corea, a partir de 1980. Estas actuaciones con artistas internacionales se complementaban con las que realizaba con su sexteto, más flamenco, formado por sus hermanos Pepe y Ramón, Jorge Pardo, Carles Benavent, Rubem Dantas y Manolo Soler.

Abierto a nuevas músicas, Paco de Lucía fue abandonando el flamenco más académico con sus posteriores discos, Solo quiero caminar (1981), en menor medida Siroco (1987) y principalmente con Zyryab (1990), disco en el que mejor se aprecia la fusión flamenco-jazz con el uso de teclados o pianos junto a los tradicionales instrumentos y la participación de artistas como Chick Corea o Manolo Sanlúcar. En los años siguientes grabó varios discos en directo, entre ellos uno de música clásica, el Concierto de Aranjuez (1991), y dos discos de flamenco-jazz, hasta que en 1998 publicó Luzía, homenaje a su madre que había fallecido un año antes y a Camarón de la Isla, y Cositas buenas (2004), que muestran ya la madurez del artista.

Paco de Lucía recibió la influencia de dos escuelas, la del Niño Ricardo (1904-1972), considerado como una de las figuras más destacadas de la guitarra flamenca y el precursor más directo de Paco de Lucía, y la de Sabicas (1912-1990), a quien se considera como el máximo influyente en el desarrollo y perfeccionamiento de la guitarra flamenca como instrumento de concierto (antes, la guitarra era un instrumento de acompañamiento al cantaor).

La contribución de Sabicas en el flamenco es doble por un lado, amplía la técnica de la guitarra flamenca (inventó, por ejemplo, la alzapúa en una cuerda y el rasgueo de tres dedos), y por otro destaca como un compositor de categoría, ya que sus obras se caracterizan no por unir falsetas ―frases líricas que toca el guitarrista cuando el cantaor deja de cantar―, sino por crear una estructura melódica, rítmica y armónica perfectamente coherente de principio a fin, como en cualquier obra clásica, cosa que en el flamenco nunca se había hecho, a excepción de algunas figuras coetáneas ―por ejemplo, Esteban de Sanlúcar (1910-1989), en creaciones como Mantilla de feria o Panaderos flamencos. Pocas cosas cabe objetar al toque de Sabicas, que gozaba de una extraordinaria técnica con una amplia sonoridad ―muchas veces tocaba en los escenarios sin micrófono― debida a su fuerte pulsación y a la enorme calidad de sus composiciones.

La mayor contribución de Paco de Lucía al flamenco es la de haber conseguido popularizarlo e internacionalizarlo, aunque ello haya supuesto muchas veces una merma de la pureza en el toque. Está considerado como un espléndido intérprete por su virtuosismo y su personalísimo estilo, que se puede definir como vigoroso y rítmico. Este estilo se manifiesta en la calidad de numerosas obras del artista. Entre ellas, Entre dos aguas (rumba), La Barrosa (alegrías), Barrio la Viña, Homenaje al Niño Ricardo (soleá), Almoraima (bulerías), Guajiras de Lucía y Río Ancho (rumba).

Es importante además el esfuerzo que ha realizado este artista por dar a conocer el flamenco al público de fuera de España y el haberse atrevido a "darle otro aire" mezclándolo con otros estilos, que, aunque de estructuras melódicas y rítmicas diferentes, pueden congeniar bien con él. Paco de Lucía ha abierto el camino para este tipo de experimentaciones y fusiones del flamenco con diversas músicas.

Otro aporte de Paco de Lucía al arte flamenco contemporáneo ha sido la inclusión del cajón. Este instrumento de la música afroperuana es conocido por Paco de Lucía en Perú a fines de los años setenta, de manos de Carlos Caitro Soto de la Colina, cajonero y compositor peruano.

Paco de Lucía intuye y entiende, al conocer este instrumento peruano, que puede ser una solución a la permanente necesidad de percusión que requiere el flamenco, y lo añade, en complicidad con Rubem Dantas, a los elementos percusivos utilizados en su sexteto de entonces, convirtiéndose el cajón desde ese momento y con el paso del tiempo en un instrumento imprescindible del arte flamenco contemporáneo y, luego, de otras corrientes musicales internacionales.

Paco de Lucía falleció a consecuencia de un infarto cardíaco el martes 25 de febrero de 2014 en la ciudad mexicana de Playa del Carmen en el estado de Quintana Roo, donde fue trasladado desde Tulum, lugar en que residía prácticamente todo el año. Según diversas fuentes, jugaba en la playa con sus hijos cuando empezó a sentirse mal. El artista falleció en el área de urgencias del Hospital Hospiten, al que llegó con un fuerte dolor de tórax. Había dejado de fumar 2 semanas antes de su deceso. Tras su muerte un año después el martes 25 de marzo de 2015 el Metro de Madrid inauguró una estación con el nombre Paco de Lucía.

Fragmento musical

Partitura

JUAN HABICHUELA

Juan Carmona se inició en el arte como bailaor por imposición de su padre. Contaba entonces nueve años. Su maestro de danzas fue Paco el Sastre. Actuaba por las tardes en el Sacromonte y por las noches en el Hotel Alambra-Palace, siempre al lado de Mario Maya. No pisó la escuela, ni tuvo realmente infancia, aunque recibió las suficientes clases particulares como para defenderse con cierta soltura en el mundo.

Realmente, lo que Juan Carmona quería era tocar la guitarra, y acabó convenciendo a su padre de que ahí estaba su futuro. A los catorce años, ya se las apañaba con las seis cuerdas. Fue, verdaderamente Juan Hidalgo López, El Ovejilla, quien le enseñó los secretos del instrumento. Sus maneras tocaoras, de una indiscutible personalidad, se asientan en El Ovejijlla, Niño Ricardo y Manolo de Huelva -sin olvidar la admiración rendida por Paco de Lucía-.

Juan Carmona empezó tocando en su tierra y cuando se incorporó a los elencos de las bailaoras Gracia del Sacromonte y de Fernanda Moreno tuvo la oportunidad de hacer gira. Llegó a Madrid con dieciséis años para actuar en la Feria del Campo, y volvió a venir en 1956 para acompañar a Mario Maya en El Duende, un tablao que también con Mario Maya, al tablao Torres Bermejas.

El servicio militar lo cumplió en Barcelona, donde realizaría sus primeras grabaciones, con Rafael Farina, Jarrito y Fosforito. A su regreso a Madrid, intervino en un disco fundamental, nada más y nada menos que con Manolo Caracol.

Con Fosforito, a quien secundaba en Torres Bermejas, llegó a formar una pareja artística de gran tirón. Con él hizo una gira por toda América. En la compañía de Manuel Vargas fueron a trabajar en la Feria Mundial de Nueva York, donde estuvieron seis meses. Posteriormente hicieron otros seis meses de gira hasta México por carretera.

Secundando a Fosforito, Juan Habichuela entró en el circuito festivalero andaluz, que empezaba a florecer, y del que será parte indispensable por derecho propio. Todos los grandes querían cantar con él, desde Mairena hasta Camarón.

En 1974 obtiene un premio en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba. Es galardonado por la Cátedra de Flamencología de Jerez de la Frontera con el Premio Nacional de Guitarra. En 1990 le fue entregado el VII Trofeo Lucas López, que compartió con Tomatito. En 1994 resultó doblemente distinguido con el premio “Compás del Cante” y el II Galardón Flamenco Calle Alcalá.
Es padre de Juan Carmona y Antonio Carmona, componentes de Ketama, un grupo básico en el nacimiento de lo que se ha dado en denominar “Joven flamenco”.

Juan Carmona ha trabajado en la Cumbre Flamenca, la Bienal de Sevilla, el espectáculo “Flamenco Puro” (Nueva York, 1986) y en 1986 acompañó a Enrique Morente en el Teatro Real de Madrid.
Ha grabado con todos los que han sido en las últimos treinta años: Manuela Vargas, Rafael Farina, Manolo Caracol, Jarrito, El Lebrijano, Fosforito, Fernanda y Bernarda de Utrera, Juan Valderrama, José Menese, El Chocolate, Pansequito, Martín el Revuelo, Manuela Gerena, Carmen Linares, Sorderita, Ketama, Naranjito de Triana, Enrique Morente, Luis de Córdoba, Calixto Sánchez, Diego Clavel, Rosario López, Enrique Orozco, Pepa de Utrera, Paco Valdepeñas, El Colorao, Curro Andrés, José Sorroche, Carlos Cruz, Rafael Heredia, José el de la Tomasa, … y El Tiriri.
Aunque primero fue bailaor y después guitarrista, su gran amor es el cante, por eso lo sabe acompañar tan ajustadamente. Artistas como Sabicas o Valderrama han destacado la calidad tocaora de Juan Habichuela. La maestría es un grado, que conceden artistas y aficionados; pocos pueden presumir de maestro como el tocaor Juan.

Fragmento musical

Partitura

MANOLO SANLÚCAR

Guitarrista y compositor, nació en Sanlúcar de Barrameda (Cádiz), un pueblo a la vera del mar, donde el Guadalquivir le dice adiós a Andalucía. Iniciado por su padre el tocaor Isidro Muñoz, aprende a amar apasionadamente la guitarra. Rápidamente asimila su arte y lo perfecciona hasta llegar a convertirse en uno de los mejores intérpretes de la actualidad. A los 13 años debuta como profesional y, a los 18, dejando a un lado el flamenco habitual, comienza a investigar y a modelar su peculiar interpretación y concepto de la música flamenca, afianzándose poco a poco, no sólo como instrumentista privilegiado sino como creador. Un músico del pueblo sensible y vivo, fiel a las herencias y a la precisa llamada de lo-contemporáneo.

Pertenece a ese escaso grupo de artistas sobre los que nadie duda a la hora de reconocer su talento. Dotado de una excepcional musicalidad y de una técnica fuera de lo común.
Su técnica asombrosa, que nunca pierde contacto con la improvisación y la espiritual comunicación directa del estado flamenco, no hace del virtuosismo una meta en si, sino que lo sublima para comunicar profundas cualidades emotivas. En él han cuajado todas las virtudes de la guitarra flamenca, pero sin dejarse atrapar en esos moldes preestablecidos por quienes niegan de antemano cualquier posibilidad de evolución que se aparte de unas normas rigurosas, y los cuatro movimientos que componen "Fantasía para Guitarra y Orquesta", son la mejor prueba de la fusión sin esfuerzo aparente, con naturalidad y sin perder el equilibrio de dos corrientes musicales consideradas lejanas .

"Trebujena", concierto para guitarra y orquesta en Re Mayor, abre una puerta más al flamenco, por el camino de la música clásica, Y constituye toda una revelación compositora partiendo de las raíces flamencas. Su "Medea" compuesta para el Ballet Nacional de España ha dado la vuelta al mundo, cosechando éxitos como lo merecen su obra y su vida: pasos, manos, tentando a la belleza.

"Tauromagía", que marca un hito en la música flamenca, es un recorrido musical que realiza el autor por el mundo de los toros. Temas en que las guitarras y la voz (con un coro de cuerdas, metales y percusiones) van desgranando nota a nota la historia del arte de la lidia. Desde el nacimiento del toro en la dehesa (Nacencia) hasta la salida triunfal del torero por la puerta grande (Puerta del Príncipe) se suceden, encadenados armónicamente, los momentos de esperanza, temor, alegría, muerte y gloria que componen la Fiesta. Es un trabajo cargado de belleza, emoción, equilibrio y estado-

Su obra "Soleá", se estrenó en diciembre de 1988, puesta en escena por el Ballet Nacional de España, con el que realizó la gira correspondiente por Estados Unidos y Reino Unido. En esta obra, Manolo Sanlúcar penetra en lo más profundo del alma andaluza de la mano de dos mujeres del pueblo. Su narrativa, a veces dramática, a veces alegre, refleja el día a día de Andalucía a través de una obra musical en que la armonía de sus notas y la belleza melódica subyuga desde su inicio.

Clásico desde el punto de vista interpretativo y gran innovador en la composición, su sensibilidad artística y su precisión de ideas y de ejecución le llevan hacia lo más puro del alma andaluza para transmitirla a través de la guitarra.

Manolo Sanlúcar ha paseado en triunfo su arte y su guitarra por todo el mundo. Del Teatro Real de Madrid a estadios de fútbol, la guitarra de Manolo Sanlúcar ha sonado en ciudades de Australia, Alemania, Dinamarca, Francia, Italia, Bélgica, Israel, Brasil, Argentina, Bolivia, Estados Unidos, Turquía, Grecia... y un largo etcétera hasta completar más de 50 países en los cinco continentes. Sus discos han sido lanzados en Australia, Bolivia, Brasil, Ecuador, Francia, Alemania, Holanda, Israel, Japón...

Es el autor de la música "La Gallarda" de Rafael Alberti, obra estrenada el 20 de abril de 1992 y con la que se inauguraron las actividades culturales de la EXPO '92 en Sevilla con la participación de Montserrat Caballé, Ana Belén, José Sacristán, Ballet Lírico Nacional y dirección de Miguel Narros.

El 20 de mayo de 1992, fue el estreno mundial (Málaga) de su poema sinfónico 'Aljibe', sinfonía flamenca para guitarra, orquesta sinfónica, voces masculina y femenina y percusiones. Se estrenó con la Orquesta Sinf6nica de Málaga, dirigida por Enrique García Asensio. Director musical de la película "Sevillanas" dirigida por Carlos Saura. Por encargo de la Universidad de Málaga, compone e interpreta la banda sonora de "La Enciclopedia Electrónica de Andalucía" Autor de la banda sonora del documental japonés sobre la Romería del Rocío, titulado "Viva la Blanca Paloma". Música grabada en Londres con la Royal Philarmonic Orchestra dirigida por Manolo Sanlúcar. Nombrado en noviembre de 1997 miembro de la Real Academia Provincial de Bellas Artes de Cádiz.

Su último trabajo es "Locura de Brisa y Trino", con poesías de Federico García Lorca, y la participación especial de Carmen Linares al cante.

En el año 2000 se le ha concedido el Galardón Flamenco Calle de Alcalá y el Premio Nacional de Música.

Fragmento musical

Partitura

VICENTE AMIGO

Un carismático aura de incorporeidad envuelve a Vicente Amigo. Su mirada parece estar queriendo siempre perderse en el más allá. Su guitarra es un continuo incitar a la imaginación. La música de Vicente se baila con el espíritu hecho carne. Es ancha, se extiende a lo largo de los compases y resuelve en el infinito. Incitante para los entendedores y de asunción inmediata para todos los oídos. A ese hermoso dominio de su mágica sonata se une el donaire personal, que en escena provoca embeleso. ahí están sus poderes de sultán cordobés a la conquista del mundo.

Vicente Amigo es un cordobés pura sangre, Séneca en el saber. A los ocho años del pequeño Vicente, los Reyes Magos se portaron regalándole su primera guitarra. Personas más tangibles lo introdujeron en la verdad del flamenco: Juan Muñoz (El Tomate) y Merengue de Córdoba. Su siguiente etapa la pasó con Manolo Sanlúcar y su hermano Isidro, quienes le alumbraron nuevos territorios. Formará pareja con el cantaor El Pele, produciendo el disco "Poeta de esquinas blandas", que de alguna manera abrió un camino, en cuanto a formas, en el flamenco contemporáneo. Colaboró con Camarón de La Isla en el disco "Soy Gitano". Finalizando la década de los ochenta obtiene los primeros premios que en el flamenco se conceden a un guitarrista de concierto. Ese será en adelante su espacio expresivo. En 1991 compartirá con Paco de Lucía la representación del flamenco en el estelar festival internacional "Leyendas de la Guitarra", en Sevilla, con Bob Dylan, Keith Richards, Phil Manzanera, Joe Cocker, Jack Bruce y Richard Thompson. Graba ese año su primer álbum en solitario, "De mi corazón al aire", que resulta doblemente galardonado por la prensa especializada. En la siguiente temporada estrena "Concierto flamenco para un marinero en tierra", dedicado a Rafael Alberti, que orquesta el gran compositor Leo Brower. En Martinica 92 compartió escenario con Stanley Jordan y comienza una carrera internacional que le lleva a colaborar con figuras como Milton Nascimento, Wagner Tiso, Al Di Meola, Joáo Bosco, John McLaughlin...En 1995 publica "Vivencias imaginadas", su segundo álbum, con un refinado mano a mano con Paco de Lucía que rendía homenaje a Pat Metheny. Y dos años después, "Poeta" le hace merecedor de los galardones flamencos que otorgan los "Premios de la Música".
En "Ciudad de las ideas", su nuevo disco, han puesto su voz Khaled, Pedro Aznar, Dieguito "El cigala", Montse Cortés y el propio Vicente. Encontramos también músicos de la talla de Mino Cinelu a la batería, Alfredo Paixao al bajo, y la orquestación dirigida por Joan Albert Armagós. Tino di Geraldo, Chaboli y Echegaray Street a las percusiones, son otros de los músicos que aparecen en los créditos de esta obra musical. El álbum se grabó en los estudios Filigrana, de Córdoba y se mezcló en Madrid, en los estudios Eurosonic, con la producción de Vicente Amigo. La masterización corrió a cargo de Todd Gerard, en Gerard sound lab, New York.

En el año 2000 colabora tocando la guitarra en el álbum "El alma al aire" de Alejandro Sanz y de aquí en adelante, su carrera crece, crece y crece.

Fragmento musical

Partitura

TOMATITO

José Fernández Torres “Tomatito” (Almería, 1958). Proviene de una de las familias flamencas más destacadas de Almería. Entre sus precedentes artísticos sobresale Niño Miguel, tío de José e hijo de El Tomate, todos guitarristas. Sus inicios profesionales se desarrollaron en Málaga. Fue en un conocido tablao de aquella zona donde le conoció Camarón, cuando el cantaor se separó artísticamente de Ramón de Algeciras. Tras baquetearse en los escenarios de los festivales andaluces con el genio de La Isla a finales de la década de los setenta, debutó cara al gran público en el disco histórico “La leyenda del tiempo”. Desde entonces, y hasta la prematura desaparición de Camarón, Tomatito estaría a su lado.

Otros artistas reclamaron la sonanta de Tomatito, quien grabó acompañando a Enrique Morente, José Mercé, Vicente Soto, La Susi, El Portugués, Duquende, Aurora, Miguel el Rubio, Pansequito, Carmen Linares y un largo etcétera. Su primera grabación como solista fue “Rosas del Amor” (1987). Tras cuatro años de trabajo intenso, grabó nuevamente en solitario “Barrio Negro” (1991). En este disco también participaron grandes nombres del flamenco, como Camarón, que canta los tangos titulados “La voz del tiempo”.

A lo largo de 1996 y 1997, presentó “Guitarra Gitana” en lugares como la Plaza de Cataluña (Festes de la Mercé, Barcelona) y el Auditorio de Palma de Mallorca, entre otros espacios de prestigio. Colaboró en un disco titulado “Palabra de Guitarra Latina”, con Joan Bibiloni y Larry Coryell, entre otros. Grabó la versión castellana del tema “Woman” con Neneh Cherry e intervino en la película de Taylor Hackford, “The Devil"s Advocate (Pacto con el Diablo)” con el actor Al Pacino, siéndole concedida a su vuelta la Medalla de Plata de Andalucía.

Durante 1997 realiza su primera composición musical para teatro, en la obra “Madre Caballo” de Antonio Onetti, producida por el CAT y dirigida por Emilio Hernández. En el mismo año, empezó su exitosa colaboración con el pianista Michel Camilo. El espectáculo llegó al Festival de Jazz de Barcelona y en 1998, al Palau de la Música de Valencia, el Gran Teatro de Córdoba y el Festival Sardinia Jazz.

En 1998 compuso la música para la banda sonora de la película “Bin Ich Schoen de la directora alemana Doris Doërrie y actuó en el Festival Espárrago Rock 98 en Granada, compartiendo cartel con músicos de distintos géneros. En otoño montó una gira europea con su propio grupo, con el cual intervino en los prestigiosos eventos Festival de Mont de Marsan (Francia), Festival Flamenco de Tampere (Finlandia), IX Nuits de la Guitare de Patrimonio (Córcega) y Sardinia Jazz (Cerdeña), donde compartió cartel con John McLaughlin, Irakere y Chick Corea, entre otros.

Para la X Bienal de Arte Flamenco de Sevilla presentó Tomate & Friends, uno de los espectáculos más exitosos del evento. Durante 1999 intervino en el II Miedzynarodowy Festival de Guitarra en Polonia, tras lo cual vinieron giras en Cuba, Alemania, Francia e Italia, además de una estancia con Michel Camilo en los Club de Jazz Blue Note de Tokyo y Osaka, y un concierto en el Festival de Jazz de Basilea, paradas que repitió en 2000. Su colaboración artística con Michel Camilo apareció en el mercado en forma de CD bajo el título “Spain” en el verano, cosechando un triunfo sin par, no sólo a nivel de ventas, sino también al ganar el Grammy Latino por el mejor disco de Jazz Latino.

Tomatito recogió además, otro Grammy por el mejor disco de flamenco por su acompañamiento a Camarón en "Paris 1987". Tras un nuevo éxito con el concierto "Bajandí", estrenado en la XI Bienal de Arte Flamenco, terminó el año con actuaciones en Rio de Janeiro, Nîmes, Santo Domingo... En febrero de 2001 se le concedió el cotizado Premio César como coautor de la banda sonora del filme "Vengo" dirigido por Tony Gatlif. Una semana después, fue nominado para los Premios de la Música 2000.

La presentación del álbum “Paseo de los Castaños” causó su gira por los Festivales In Guitar y La Batie de Genève en septiembre de 2001. Junto al guitarrista clásico Carles Trepat hace incursión en el mundo musical de Astor Piazzolla, concierto que estrena en la XII Bienal de Flamenco de Sevilla y lleva al Festival de la Guitarra de Barcelona, al Palau de la Música y otros espacios. En 2003 comienza con el estreno de la obra “Romeo y Julieta” dirigida por Emilio Hernández del Centro Andaluz de Teatro. Tuvo el honor, en octubre de 2003, de ser el primer solista de la guitarra flamenca en presentar su grupo y su obra en el Royal Albert Hall de Londres.

Colabora en el disco "Cositas Buenas" de Paco de Lucía en unas bulerías dedicadas a Camarón. En junio de 2004, edita "Aguadulce", que obtiene el Grammy Latino 2005 al Mejor Álbum Flamenco, y a lo largo del mismo año visita Japón, Austria, Italia y República Checa con su sexteto. En 2007, junto a Michel Camilo, edita “Spain Again”. El éxito les invita de nuevo a pasearse por el mundo entero y en el verano del mismo año en Córdoba recoge su primer “Premio de la Música” a la fusión entre flamenco y jazz.

También preparó un proyecto para orquesta con Juan Albert Amargós que se estrenó en directo en 2004 en el Auditori de Barcelona bajo el titulo “Sonanta Suite”, que presentan en el Festival de la Guitarra de Córdoba y el Festival La Mar de Músicas de Cartagena. La grabación, con la Orquesta Nacional de España dirigida por Josep Pons, se editó en 2010. Ese mismo año, estrenó en la Bienal de Flamenco de Sevilla el concierto “Luz de Guía”, dedicado a Camarón, que también mostró en foros como el Festival Flamenco Caja Madrid 2011. Y aunque sin dejar el concertismo, en esas temporadas también protagonizó dúos estelares de guitarra y cante con Diego el Cigala (Veranos de la Villa 2009 de Madrid) y con Enrique Morente (Festival Flamenco Ciutat Vella 2009 de Barcelona). Al cine vuelve de la mano de Carlos Saura interviniendo en la película “Flamenco, Flamenco” (2010) en una escena mano a mano con Niña Pastori rememorando “La leyenda del tiempo”.